School of BARTOLOME ESTEBAN MURILLO (Seville, 1617 - 1682)., Late 17th century.

School of BARTOLOME ESTEBAN MURILLO (Seville, 1617 - 1682)., Late 17th century.
"Virgin with the Child".
Oil on panel.
It presents an opening in the table and slight restoration.

École de BARTOLOME ESTEBAN MURILLO (Séville, 1617 - 1682), fin du XVIIe siècle.
"Vierge à l'Enfant".
Huile sur panneau.
Elle présente une ouverture dans le panneau et une légère restauration.
Mesures : 25 x 19 cm.
Dans cette toile, la Vierge Marie est représentée avec l'Enfant dans ses bras, tous deux s'embrassant avec tendresse. Marie apparaît de trois quarts, assise, tenant son fils des deux mains, l'entourant de ses bras, et regardant directement l'Enfant. Jésus, quant à lui, apparaît presque nu, bien que Marie le couvre d'un tissu blanc, comme il est courant dans cette iconographie. L'Enfant tourne son corps vers sa mère, en posant ses mains sur sa poitrine. La composition se déroule dans un intérieur sombre, les silhouettes des personnages se détachant sur un fond neutre éclairé par la lumière douce qui rayonne des personnages. La Vierge est vêtue d'une tunique intérieure rose, d'un manteau bleu et d'un voile d'or, couleurs qui font respectivement allusion à la pureté, à la Passion future de son fils, aux concepts de vérité et d'éternité et à la gloire divine. Sur le plan formel, on retrouve dans cette œuvre d'importantes traces de l'art de Murillo, tant dans la composition de la scène que dans le type de l'enfant, très doux et naturaliste, ainsi que dans l'éclairage étudié et efficace et dans la monochromie des tons ocre, terreux et carmin. La première période de Murillo, de 1645 à 1650, se caractérise précisément par ces fonds fermés, la prédominance des tons terreux et les grandes figures compactes, comme celles du présent tableau. Dans des œuvres comme la "Vierge du Rosaire" du Musée du Prado et la "Vierge à l'Enfant" du Palais Pitti, nous retrouvons cette même composition triangulaire, avec la Vierge assise sur un parapet et l'Enfant sur ses genoux, vêtu de rouge et de bleu avec un voile d'or. Dans les deux cas, une relation de tendresse et d'affection s'établit entre les personnages, représentés comme mère et enfant plutôt que comme figures de dévotion, dans un sens naturaliste typique de Murillo et de ses disciples. De même, dans les deux exemples, la Vierge regarde directement le spectateur, comme c'est le cas ici. Les différences, personnelles à l'auteur de cette toile, sont néanmoins visibles dans les nuances de composition et dans le modèle du visage féminin, qui est un peu plus classique que ceux utilisés par Murillo pour ses Vierges. Ainsi, dans cette œuvre, la scène est simplifiée, rapprochant les personnages du spectateur dans un sens pleinement dévotionnel. D'autre part, l'Enfant semble attentif, heureux d'être avec sa mère mais attentif au spectateur, établissant une relation. De même, Marie est une femme d'une grande beauté et aux traits délicats, mais un peu plus adulte que celles des tableaux de Murillo, qui sont pratiquement adolescentes.

Traduit automatiquement par DeepL. Seule la version originale fait foi.
Pour voir la version originale, cliquez-ici.