Cercle de GUIDO RENI (Calvenzano di Vergato, Bologne, 1575 - Bologne, 1642) ; XVIIe siècle....

Cercle de GUIDO RENI (Calvenzano di Vergato, Bologne, 1575 - Bologne, 1642) ; XVIIe siècle. "Madone du silence". Huile sur toile. Reliure ancienne. Cadre du XVIIe siècle endommagé par des xylophages. Dimensions : 98 x 126 cm ; 119 x 147 cm (cadre). Le thème iconographique est la contemplation de l'enfant qui dort pendant que sa mère, la Vierge, l'adore. Il s'agit de la combinaison des concepts de mère et de fils dans une attitude naturelle et tendre, ainsi que de mère de Dieu observant le caractère divin et transcendantal de son fils. Le peintre nous offre une scène de très longue tradition dans l'Occident chrétien, travaillée avec de subtils dégradés de demi-teintes. Depuis la fin du Moyen Âge, les artistes ont tenu à représenter, de manière de plus en plus intense, le lien d'affection qui unissait le Christ à sa Mère et la relation étroite qui existait entre eux. Cette tendance a été encouragée à la Renaissance et, naturellement, à l'époque baroque, où l'exacerbation des émotions a caractérisé une grande partie de la production artistique. Cette caractéristique est devenue de plus en plus courante au fil des siècles. Il convient de noter le symbolisme des couleurs des tissus, le manteau bleu représentant l'universalité, la tunique rouge faisant allusion à la passion du Christ et le tissu blanc montrant la pureté et l'innocence de Jésus. Ainsi, malgré la sérénité des gestes du visage de la Vierge, ses vêtements la définissent comme une mère souffrante, consciente du destin de son fils. Si l'on en juge par les caractéristiques formelles et stylistiques, la présente œuvre a été exécutée par un peintre du cercle de Guido Reni, maître incontesté du classicisme romano-bolognais avec Albani et Domenichino. Nous nous trouvons donc face à la représentation de la Vierge Marie dans sa dédicace comme Dolorosa, sur un fond neutre, avec un puissant projecteur en diagonale qui éclaire la figure. Formellement, Marie est présentée en buste, levant le regard vers la source de lumière, en extase et avec un geste subtil et élégant. Guido Reni est sans doute le meilleur des trois. Étroitement liés à la famille Carracci et à la ville de Bologne, ils ont tous trois une trajectoire similaire. Ils se forment à Bologne auprès de Denys Calvaert, puis à l'Accademia degli Incamminati, dirigée par Ludovico Carraci. En 1600, Reni arrive à Rome, où il travaille avec Annibale Carracci à la galerie Farnèse. C'est dans ces années que commence sa meilleure période ; en 1609, à la mort d'Annibale, Reni reste à la tête de l'école classiciste. Dans la ville, il sera protégé par Scipione Borghese, le futur pape Paul V, pour lequel le peintre réalisera l'une de ses œuvres les plus importantes, "La Aurora" (Palazzo Rospigliosi). Elle témoigne d'un élément qui sera toujours caractéristique du style de Reni, son admiration pour la sculpture antique. À partir des statues classiques, il développe un idéal de beauté et de perfection qui sera très admiré par les peintres suivants. En 1614, il retourne définitivement à Bologne. Le style de Reni évolue dans une direction claire, de plus en plus sculpturale et froide, de plus en plus pleinement classique. Son œuvre de maturité sera caractérisée par une palette froide, aux reflets argentés. Guido Reni est actuellement représenté dans les plus importantes galeries d'art du monde, dont le musée du Prado, l'Ermitage, le Louvre, le Metropolitan de New York et la National Gallery de Londres, parmi beaucoup d'autres.