École italienne ; vers 1600. "Saint enterrement". Huile sur cuivre. Préserve le cadre ancien du...

École italienne ; vers 1600. "Saint enterrement". Huile sur cuivre. Préserve le cadre ancien du vingtième siècle. Dimensions : 49 x 38 cm ; 60 x 52,5 cm (cadre). Le tableau représente la déposition du Christ dans le sépulcre, la scène se déroule dans un espace marqué par l'architecture dans lequel l'artiste joue beaucoup avec la lumière, puisque tandis que la zone gauche est éclairée par une vaine, la droite est complètement dans la pénombre. Selon le récit évangélique, ils se trouvaient dans une grotte, lieu où Jésus a été enterré, selon la tradition juive. Au centre, dominant la scène, le tombeau est rempli d'une multitude de personnages, parmi lesquels se détache la figure de Jésus, déjà mort, à la peau nacrée. Le corps de Jésus est représenté pratiquement nu, couvert seulement par le "perizonium" ou tissu de pureté, mais sur le drap qui lui a servi à descendre de la croix et qui lui sert maintenant de linceul. Joseph d'Arimathie, l'homme riche qui, selon les Évangiles, a renoncé à son tombeau pour ensevelir Jésus, tient le Christ par les épaules, tandis qu'à l'arrière-plan, on aperçoit la figure de saint Jean en train de pleurer. Nicodème, pharisien et "chef juif" selon le texte de saint Jean, le tient par les pieds. En outre, nous pouvons identifier dans un arrière-plan profond les trois Marie, contemplées avec des expressions de douleur alors que le Christ est enseveli et enfin, à la droite du Christ tenant sa main, Marie-Madeleine, identifiée par ses longs cheveux et par le petit porte-parfum situé au premier plan, typique de l'iconographie. D'un point de vue esthétique, l'œuvre s'inscrit dans l'esthétique de l'école italienne, plus précisément dans le classicisme typique de l'Italie du Nord. Les figures monumentales et le volume des corps nous rapprochent de ce style qui part d'une idée de pureté typique du classicisme, bien qu'il faille noter que l'image présente un style transitoire, car elle conserve l'allongement du canon et une certaine théâtralité dans certaines figures qui rappellent un goût de caractère maniériste, ainsi que la gamme de couleurs utilisée par l'artiste qui montre un intérêt pour les nuances d'iridescence.